Работы Инго Маурера (Ingo Maurer) легко узнать — больше никто так не работает со светом. Возможно, одна из составляющих успеха метода Инго Маурера заключена в том, что он применил метод графического дизайна к дизайну промышленному. Но это никак не может объяснить того ощущения чуда и восторга, которое вызывают его работы. Инго Маурер создаёт не просто светотехнику, а объекты вневременного искусства и дизайна. Создаётся ощущение, что нет такого материала, который Инго Маурер не смог бы трансформировать в свет. «Изменяя освещение в помещении, можно очень сильно изменить все пространство. Свет обладает огромным потенциалом, имеет сотни возможностей для превращения обстановки в нечто новое». Ingo Maurer

В основе концепции дизайна Петера Мали (Peter Maly) лежит девиз: «Нам необходимо противоядие против зрительной уставаемости!» Дизайнер заботится о том, чтобы каждый предмет становился «долгожителем»: в течение длительного времени оставался бы привлекательным и актуальным. Создание таких вещей видится Мали необходимым, как минимум, по двум причинам. Во-первых, экология: памятуя об истощающихся природных ресурсах, «совершенно безрассудно производить ультрамодные товары». Сегодня они — на пике популярности, а завтра окажутся на свалке. Во-вторых, физиология: люди нуждаются в стабильности, уверенности и защищённости, поэтому задача дизайнера — «дать им то, на чём они могли бы остановиться, вместо того, чтобы постоянно забрасывать их новыми модными веяниями».

Гаэтано Пеше (Gaetano Pesce) — один из самых ярких и последовательных представителей арт-дизайна, основоположник «эмоционального» и «поведенческого» дизайна. Его работы, соблюдая номинальные правила утилитарного служения человеку, на самом деле отдают пространству свою особую гармонию, энергию, эмоцию, что переводит их в плоскость произведений искусства. «Я верю, что хороший дизайн — это комментарий сегодняшней жизни. Это не просто выражение формы и стиля, а то что происходит в каждодневной жизни. Это комментарий реального мира».

Философия Эймс (Eames) заключена в процессе творчества, пути, когда для достижения результата нужно пройти через годы проб и ошибок. Уходя от времени, когда мебель была тяжёлой и сложной в исполнении, когда каркас непременно нуждался в декорировании и обивке, Эймс дали свежий воздух для дыхания мирового дизайна. Чарльз Эймс (Charles Ormand Eames) (1907-1978 гг.) и его жена Рэй Эймс (Ray Eames) (1912-1988 гг.) не только разработали некоторые из наиболее примечательных предметов мебели XX века, они также применяли свои таланты к созданию изобретательных детских игрушек, паззлов, фильмов, выставок и таких культовых лос-анджелесских зданий, как Eames House и Entenza House в Калифорнии.

Правило глобального архитектора — придумал концептуальный дом — придумай соответствующий интерьер. Придумал интерьер — создай его наполнение. Ле Корбюзье (Le Corbusier) – глобальный архитектор, и он выполнил всю программу. Ле Корбюзье стал модным, концептуальным, знаменитым, добился узнаваемости и признания, реализовал большую часть своих проектов.

Если принять за аксиому утверждение, что «глубоко продуманная краткость – сестра таланта», то итальянский дизайнер Антонио Читтерио (Antonio Citterio), безусловно, гений. Всё, созданное им, разумно-лаконично. Антонио Читтерио находится на пике своей творческой активности и, без всяких сомнений, является одним из тех итальянских дизайнеров второго поколения, которые сильно повлияли на само понятие «итальянский дизайн». О себе как о минималисте он предпочитает не говорить, склоняясь к тому, что он просто верит в принцип «лучше меньше, да лучше», исследует любое проектное задание как проблему и находит максимально подходящее решение. «Я создаю простую архитектуру, потому что я делал это всегда – я не могу меняться сейчас». Antonio Citterio

Тезис «Цвет важнее формы» может быть воспринят, как излишне самонадеянный и радикальный, если бы эти слова не принадлежали человеку, который сам изменил принцип формообразования в промышленном дизайне. Вернер Пантон (Verner Panton) имеет на это заявление полное право. Начав карьеру как помощник Арне Якобсена, он знал, что сможет зайти дальше. «Нет такого закона, по которому в гостиной должны стоять диван, два кресла и журнальный столик. Есть и другие способы создать атмосферу релаксации» Verner Panton

Этторе Соттсасс (Ettore Sottsass) — выдающийся дизайнер, архитектор, художник, теоретик и философ проектной культуры. Символ «итальянской альтернативы» в дизайне и основатель знаменитого объединения «Мемфис». Двойственность Этторе Соттсасса стала главным источником мифов о нем. Сочетание бунтарства и профессионализма, увлечение мистикой и гиперфункциональность проектов. К концу 60-х он становится чем-то вроде Учителя и Пророка для бунтующей дизайнерской молодежи. «Мы не можем и не должны цепляться за какие-либо предустановленные иконографические схемы, но, напротив, должны и вынуждены — реальность заставляет — постоянно обновляться» Ettore Sottsass

Проблема неизвестности Эйлин Грей (Eileen Gray) состоит в том, что она была женщиной в архитектурно-художественном обществе, и то, что она оказалась более прогрессивной, чем «великие» того времени. «Великие», типа Ле Корбюзье, ей этого не простили, а она была слишком аристократична, чтобы доказывать факты. «Надо быть благодарным всем тем людям, которые проявляют к нам интерес и, по крайней мере, сохранили некоторые наши работы. В противном случае они скорее всего были бы уничтожены, как всё остальное». Eileen Gray

Шин и Томоко Азуми (Shin&Tomoko Azumi) — Их называли японскими дизайнерами и они приняли это как неизбежность. Шин и Томоко Азуми создали множество продуктов промышленного дизайна в своём неподражаемом элегантном и ироничном стиле. Азуми описывают свой метод как «тонкий способ изменения поведения людей». «Объекты всегда должна дать нам удовольствие — и не только, когда мы смотрим на них, но когда мы используем их».

Голландский дизайнер Хелла Йонгериус (Hella Jongerius) работает на пороге дизайна, ремесла, искусства и техники, обобщая влияние традиционных и современных факторов, высоких и консервативных технологий, промышленного и кустарного производства. Главный принцип, которому она не изменяет на протяжении всей своей деятельности —каждодневный эксперимент. Дерево, неопрен, полиуретан, керамика, стекло — по воле Хеллы Йонгериус все эти материалы объединяются в самые неожиданные комбинации, её интересует эксперимент как работа с архетипом. Её цель — продукт, получаемый в результате творческого культурологического процесса. «Я понимаю дизайн, как поиск» Hella Jongerius

Джо Понти (Gio Ponti) был поэтом, художником, архитектором, дизайнером, основателем и главным редактором журнала Domus. Джо Понти — крёстный отец послевоенного возрождения итальянского дизайна. «Люблю архитектуру, древнюю и современную. Люблю её фантастические и торжественные творения, её изобретательность и абстрактность, её аллюзии и формы, которые очаровывают наш дух и приводят в восторг наши мысли. Люблю архитектуру – сцену и поддержку нашей жизни».

Человек, объединивший в своём творчестве современность и дух романтики, шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) стал автором многих Работ, которые оказали большое влияние на развитие дизайна и остаются актуальными и любимыми до сих пор. Немногие дизайнеры имеют право утверждать, что они создали уникальный индивидуальный стиль, который был бы мгновенно узнаваем. Известный сегодня в основном как дизайнер мебели, Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) был архитектором в самом широком смысле понятия, он занимался проектированием школ, офисов, церквей, чайных комнат (tearoom – британский вариант кафе), частных домов.

Итальянский дизайнер Акилле Кастильони Achille Castiglioni (1918-2002) родился в Милане. Изучал архитектуру в политехническом университете Милана и в 1944 году создал конструкторское бюро со своим братьям, Ливио (1911-1979) и Пьером Джакомо (1913-1968 ) (Livio and Pier Giacomo). Их совместный проект станет одним из самых остроумных, элегантных и новаторских объединений в мире современного дизайна. Они работали по принципам, которые должны перестроить объект функции, форму и производственный процесс, и применяли эти тезисы ко всем работам, которые они производили. Кастильони описал этот процесс: «Начать с нуля. Придерживаться здравого смысла. Знайте свои цели и средства».

Алессандро Мендини (Alessandro Mendini) — архитектор, дизайнер, художественный критик, историк и теоретик дизайна, выдающийся деятель «радикального», а затем «нового дизайна». Своими теоретическими и практическими работами и частичной переработкой дизайна других Алессандро Мендини, начиная с70-х, внес важный вклад в дискурс постмодернизма. Фигура Мендини, в течение двадцати лет являющегося организатором, координатором, критиком, поэтом и душой обновления итальянской и международной проектной культуры, воплощает в себе лучшие черты деятеля культуры итальянского типа.

Имя Томаса Чиппендейла (Thomas Chippendale) стало синонимом Лондона XVIII столетия, ровно как и высочайшей маркой британского мебельного дизайна этого времени. Как имя Страдивари ассоциируется с уникальными скрипками, так и имя Чиппендейл — стало обозначением эпохи дизайна, пришедшей вслед за рококо — в преддверье неоклассицизма. Томас Чиппендейл заслуженно считается самым знаменитым дизайнером мебели в Великобритании. Термин «Чиппендейл» стал родовым для обозначения мебели, произведенной в Лондоне между 1750 и 1765 годами, а также для вневременного понятия о совершенном дизайне.

Филипп Старк (Philippe Stark) — единственный представитель своей профессии, ставший по-настоящему поп-звездой планетарного масштаба: с цитатами из пропагандистских речей на футболках, грандиозными фотосессиями и портретами на предметах мебели. Многие критики современного дизайна считают Старка популистом, не столько дизайнером, сколько шоуменом, бизнесменом и талантливым промоутером. И это правда — отделить Старка-дизайнера от Старка-игрока, Старка-мистификатора и Старка-звезды невозможно, как невозможно отделить созданные им предметы от тех глубинных бессознательных ассоциаций, которые они навеивают. «Между дизайном и современным искусством нет никакой связи. Искусство абсолютно самодостаточно, это чистая поэзия. А дизайн крутится вокруг повышения функциональности, эргономики. Дизайн хочет понравиться, искусству это не нужно». Philippe Stark

Подавляющее большинство проектов Марио Беллини (Mario Bellini) создано под влиянием классической школы дизайна, которой руководили конкурентоспособность, возможность массового производства и коммерческая успешность. Таким образом, его работа во многом формальна, её можно рассматривать как попытку сделать «хороший итальянский дизайн» синонимом промышленности и культуры. «Подходить к производству стульев так же, как к созданию замков, или к проектированию зданий как огромной мебели, абсолютно неправильно. Архитектура — часть города, в котором мы живём. Мы не живём в стуле». Mario Bellini

Мауро Липпарини (Mauro Lipparini) продолжает традиции великих итальянских архитекторов-полифункционалистов: архитектор, индустриальный дизайнер, дизайнер интерьеров, дизайнер-график, арт-директор, преподаватель, бизнесмен. Все эти ипостаси, будучи объединены в одном лице, позволяют осуществить комплексный сбалансированный подход к формированию среды обитания, как определили ещё римляне — «Ab exterioribus ad interiora» (от внешнего к внутреннему). «...рынок формируем мы, а не потребители. Что бы там ни говорили, клиенты покупают то, что мы им предоставляем....Человеку, формирующему желания других, часто приходится идти против собственных желаний. В этом заключается мудрость. Нужно просто наблюдать за миром моды, музыки, за искусством в целом, и это подсказывает вам, в каком направлении двигаться». Mauro Lipparini

Австралия вообще континент странный, и всё, что произведено Австралией, странное вдоль и поперёк — от Мэла Гибсона до утконоса, от кенгуру до AC/DC, от INXS до Большого Кораллового Рифа. В этом отношении Марк Ньюсон (Marc Newson) — типичный австралиец. Марк Ньюсон известен своим безумно футуристическим, но при этом технически строгим подходом к дизайну. Ньюсон стал частью ультрамодного мира поп-культуры. Как-то у него спросили, почему он стал дизайнером. Марк ответил, что его очень раздражали говнястые (shitty) вещи вокруг, и он чувствовал, что можно их делать гораздо лучше. И интуиция его не подвела. Нынче такой гладкий футуризм не очень в моде, но его вещи, несмотря на свой непременный пластиковый блеск, не угрожающе-индустриальны, а больше смахивают на неких зверюшек из будущего.

Её вещи дерзки, одновременно просты и очень красивы. Паола Навоне (Paola Navone) живет и творит так, как будто никаких оформившихся направлений и тенденций в дизайне не существует. Она просто создает мир, соответствующий ее представлению о красоте. Недаром Architektur und Wohnen в 2000 году называл Паолу Навоне дизайнером N1. В её вещах нет ни малейшего привкуса вымученности. «Я против, когда вещь разрабатывается и делается как музейный экспонат. Я в не меньшей степени сопротивляюсь, когда дизайнер пытается в своей вещи выразить самого себя. Я полагаю, что это полная противоположность творческому процессу. Если творец что-то придумывает и в своём произведении реализует самого себя, то в этом случае его очень легко узнать. Меня, например, узнать в моих вещах проблематично… » Paola Navone

Англичане ещё в конце 19 века одними из первых возмутились против пышного эклектического декора, так что в некотором роде Джаспер Моррисон (Jasper Morrison) один из продолжателей идей Дж. Раскина и У. Морриса в движении «Искусства и ремесла». Прошло сто лет, накопился культурологический хлам — в Англии пришло время новой «чистки стилей» — самые знаменитые чистильщики — Джаспер Моррисон, Том Диксон и младший их коллега — Майкл Янг. Вещь должна быть не «функциональной» или «концептуальной», а «объективной», «объектной», то есть вещь должна обладать всеми атрибутами себя самой как архетипа. «Главным всегда является сближение дизайна с «нормальностью», я стараюсь избежать дизайна, который доступен только небольшому привилегированному кругу «посвящённых». Jasper Morrison

Возможно, что феномен Патрисии Уркиолы (Patricia Urquiola) скрыт в её происхождении и обучении – этническая испанка, с детства глубоко воспринявшая национальную архитектурную культуру, она была ученицей величайших мастеров итальянского дизайна — Акилле Кастильоне и Вико Маджистретти. Взрывной коктейль эмоций и академизма, она из тех мастеров, которые могут отстоять свою идею перед производителями. «Женщины добавляют в дизайн больше здравого смысла. Будущее дизайна в отсутствии симметрии. Если правая половина кресла напоминает левую, жизнь останавливается. Мебель надо отделять от нас и представлять ее частью большого мира». Patricia Urquiola

В качестве дизайнера Карло Бартоли (Carlo Bartoli) работал во множестве мебельных итальянских компаний, – таких, как Accademia, Antonangeli, Arclinea, Arflex, Con & Con, Ernesto Meda, Matteo Grassi, Kartell, Merati, Rossi di Albizzate, Segis, Tisettanta, Varenna-Poliform. В двух компаниях - Colombo Design и Segis – он был директором. «Работая постоянно над предметами материальными, я, как художник, испытываю огромный соблазн заняться виртуальным дизайном, творить на экране компьютера. Но я сдерживаю себя, поскольку реальная табуретка для человека важнее целого виртуального гарнитура».

Михаэль Тонет (Michael Thonet) – отец-основатель промышленного дизайна. Именно ему и стилю бидермайер европейский дизайн обязан за первые образцы серийной мебели для обывателей. Впервые технологии, использовавшиеся для наполнения аристократического интерьера оказались доступны для среднего класса, а фирма «Братья Тонет» (GEBRÜDER THONET) стала прототипом успеха в промышленном дизайне. Успех был настолько грандиозен, а продукт настолько продуман, что продукция компании «Братья Тонет» держится на рынке более 150 лет, стала синонимом понятия «венская мебель» и производится в первоначальном виде по сей день.

Джо Коломбо (Joe Colombo) – человек, который придумал мебель заново. Большинство дизайнеров, обнаружив, что их работа сорвана, приходит в ярость, но не Джо Коломбо, который сказал бы: «Нам всего лишь придётся сделать это ещё лучше». И если производитель не проявлял такого же энтузиазма, как сам Коломбо, то он не тратил время на пререкания, а находил другую компанию, которая была готова производить его продукт.

Тошиюки Кита приложил очень много усилий, чтобы сделать традицию современной. Его дизайнерская концепция – баланс между природой и технологией. Тошиюки Кита – дизайнер на стыке культур, при взгляде на его работы нельзя однозначно определить чей это продукт – этнического японца в Европе или итальянца в Японии. Он профессор отдела проектирования университета Осаки, президент Японской Ассоциации Дизайна – его работы выставлены в Центре Помпиду в Париже и он один из известнейших итальянских промышленных дизайнеров.

Гарри Бертойя (Harry Bertoia) был скульптором и экспертом по металлургии. Тем не менее он оказал большое влияние на развитие промышленного дизайна. Музыкальные скульптуры (Sounding Sculpture) Гарри Бертойя мало поддаются описанию – их необходимо видеть и слышать. Его уникальная коллекция стульев, изготовленных для «Knoll Associates, Inc» из металлической проволоки с применением точечной сварки остаётся популярной и на данный момент. Эта необычная и лёгкая на вид сетчатая мебель стала прототипом для последующих многочисленных модификаций. Как сказал сам Гарри Бертойя об этой коллекции: «Если вы посмотрите на эти кресла, то увидите, что они в основном из воздуха, как и скульптура».

Работы Вико Маджистретти пример простоты, элегантности и сдержанности в бурном мире итальянского промышленного дизайна. «Самое главное в дизайне – это концепция, выраженная в быстрых зарисовках. Дизайн – это концептуальный процесс, имеющий более тесную связь с реальностью, нежели архитектура, т.к. «живет вместе с людьми».

Бруно Матссон (Bruno Mathsson) конструируя и производя лёгкую, элегантную и функциональную мебель поднял скандинавский дизайн на общемировой уровень. Не являясь приверженцем какой либо дизайнерской концепции и школы, Бруно Матссон создал свой уникальный стиль, основанный на самостоятельном изучении истории архитектуры и дизайна, исследованиях по эргономике и связи между природой и архитектурой.